Monday, April 30, 2012

Una infantil realidad




La gente siempre percibe
horizontes tan parciales
que estereotipa y vive
con miopías terrenales.

Para el ámbito industrial,
soy un alocado científico…
para la ciencia real,
soy un artista muy prolífico.

En el universo del arte,
soy un travieso rebelde
un renegado que parte
cuando la luz torna al verde.

En verdad, sí soy un hartista:
que se presume cantor,
que en letras es malabarista,
que juega al niño inventor.



Saludos.

Saturday, April 28, 2012

Friedrich Von Flotow, la ópera teutona… a la francesa




El día de ayer -27ABR12- fue el cumpleaños 200 de uno de los compositores más interesantes en el mundo de la ópera, Friedrich Von Flotow.

Flotow fue sumamente popular durante el siglo XIX; en contraste, durante el siglo XX su luz se fue apagando; tanto, que muy poca gente lo tiene presente. Escribió 32 óperas, de las cuales, dos de ellas fueron consideradas entre las más populares durante el siglo XIX: Martha & Alessandro Stradella.

Alessandro Stradella es la décimoquinta ópera compuesta por Flotow, que finalmente lo colocaría como un compositor afamado dentro del gusto popular. Tendrían que pasar 9 años y 14 óperas para que se su nombre se inmortalizara, presentándose en Hamburgo al cierre del año 1844.

Se trata de una ópera ligera escrita en alemán con tres actos, la cual se remonta al siglo XVII en la ciudad de Venecia, para el acto primero y en la ciudad de Roma para los siguientes dos actos. Se trata de una obra de amor con algunas arias bellas, destacando la serenata del primer acto interpretada por Alessandro hacia Leonora.

La única grabación que conozco fue realizada en 1977, con la batuta de Heinz Wallberg al frente de la famosa orquesta de la Radio de Baviera.

Su décimasexta ópera, Martha, o La Feria de Richmond, es otra ópera ligera escrita en alemán (con traducciones al italiano, francés e inglés), la cual consta de cuatro actos. Su estreno fue en 1847, pero ahora en el destacadoTeatro de la Ópera de Viena.

La obra se desarrolla en la Inglaterra de principios del siglo XVIII. Lo que nació como una propuesta para ballet (dado el éxito de otro ballet, Lady Henriette, el cual contenía el mismo tema) intitulado originalmente Lady Harriette, o la sirviente de Greenwiche. El primer acto, perteneció a esta inicial propuesta de ballet, pero evolucionó hasta convertirse en ópera con los siguientes tres actos.

La obra fue tan popular, que simplemente opacó las siguientes diez y seis óperas siguientes. Sin embargo, la fama le fue adversa después de la Primera Guerra Mundial. Hasta la fecha, se presenta con muy poca frecuencia (pero más que Alessandro Stradella), por lo que sus grabaciones son escasas. De entre ellas, destaca (y por mucho) la grabación histórica de 1961, realizada bajo la batuta de Nino Verchi en el Met de Nueva York, la cual es una versión traducida al inglés. En particular, la excelsa voz de Victoria de los Ángeles estaba en su mejor forma para interpretar a la protagonista (dos años antes, MTY tuvo la fortuna de tenerla al lado de Giuseppe Di Stefano en el ya desaparecido teatro Florida).

Un aria muy bella interpretada por la soprano principal ocurre en el segundo acto, conocida como La última rosa del verano, la cual es un poema del escritor irlandés Thomas Moore quien escribió The Last Rose of Summer en 1805. A continuación dicho poema:

'Tis the last rose of summer

Left blooming alone;
All her lovely companions
Are faded and gone;
No flower of her kindred,
No rosebud is nigh,
To reflect back her blushes,
To give sigh for sigh.

I'll not leave thee, thou lone one!
To pine on the stem;
Since the lovely are sleeping,
Go, sleep thou with them.
Thus kindly I scatter,
Thy leaves o'er the bed,
Where thy mates of the garden
Lie scentless and dead.

So soon may I follow,
When friendships decay,
From Love's shining circle
The gems drop away.
When true hearts lie withered
And fond ones are flown,
Oh! who would inhabit,
This bleak world alone?

Ya para 1819, Ludwig Van Beethoven compuso Seis variaciones para piano y flauta, opus 105, basado en dicho poema. Felix Mendelssohn Bartoldi hizo lo propio en 1827 con su obra Fantasia para piano ‘The Last Rose of Summer’, opus 15. Ya en el siglo XX, Judas Priest hizo música para dicho poema en 1977, dentro de su obra Sin after Sin, en una composición musical dentro de lo mejor hecho por Rob Halford y Glenn Tipton.

Flotow es un compositor que requiere ser revalorado e interpretado con mayor frecuencia. A diferencia de sus grandes contemporáneos como Verdi o Wagner, Flotow propone un estilo distinto de composición, basado en la comedia ligera francesa, cimentando las bases para el Verismo de la ópera italiana (alcanzando su mejor esplendor con Giacomo Puccini).

Saludos.

Monday, April 23, 2012

Requiem for the Indifferent, por Epica




Hace un mes y medio -09ABR12-, el grupo holandés Epica presentó su quinta obra intitulada Requiem for the Indifferent.

Epica va más allá de ser el mejor proyecto en los Países Bajos, ya que es de lo mejor que hay globalmente en este momento… por lo pronto, su nueva obra es un buen regalo para esta primavera del 2012.

Desde la primera propuesta hace ya casi 10 años, Epica presenta temas donde hace crítica fuerte a la sociedad.


Año
Obra
Tema
2003
The Phantom Agony
Intolerancia religiosa
2005
Consign to Oblivion
La civilización maya
2007
The Divine Conspiracy
Obra conceptual: Intencionalidad de crear religiones
2009
Design Your Universe
Continuación de la cultura maya
2012
Requiem for the Indifferent
Crítica a la indiferencia social


La obra da inicio con la pieza Karma, la cual es un preludio que sigue el estilo del Mägo de Oz, para la segunda pieza, Monopoly the Truth.

Nos docti, pensantes,
Sed non semper veridici

(Nos educan, razonamos, pero no siempre con verdad)

Es una clara muestra de la crítica a la manipulación de los medios de comunicación. La pieza alterna entre los solos de la voz principal, la mezzo-soprano Simone Simons, el contraste con la voz gutural del compositor, líder y guitarrista del grupo Mark Jensen y los arreglos corales por parte de todos los integrantes.

Después de alternancias en el discurso de la pieza, se escucha lo que parece ser un fino solo de guitarra, que se queda en un simple suspiro para dar paso a la conclusión de la pieza:

Nos docti, sed plus scimus,
Non sperentes, quod dicunt Alii

(Nos educan, pero entre más sabemos, no creemos lo que dicen los demás)

La tercera pieza, Storm the Sorrow, es una pieza sencilla y bella, la cual contiene un trío para mezzo, piano y cello, donde Coen Janssen da una primera y breve aparición en la obra, demostrando porque es doctor-investigador por el conservatorio de Rotterdam en su instrumento, el piano.

Para la cuarta pieza, Delirium, Janssen incrementa su presencia al darle el marco a la voz de Simons. La pieza inicia con un coro a “boca cerrada” muy interesante.

Delirium es un impulso de ánimo ante la tristeza de su antecesora Storm the Sorrow: Hope will show your smile again… ante la tristeza de Centuries of dreams unending…

Nuevamente, un asomo en el solo de guitarra se presenta casi al finalizar la pieza… pero es un muy breve suspiro.

La quinta pieza, Internal Walfare, retoma la crítica al presentar el triste caso del noruego Anders Behring Breivik, quien dentro de su esquizofrenia mató a mucha gente al crear una organización tipo templaria, combatiendo musulmanes, feministas, marxistas, liberales y no-blancos.

Life we used to know
Ends where silence comes to us forever
Night will soon bestow
Justice on a day that never ends

Otra  vez, una pequeña muestra de guitarra (pero mejorando las anteriores) se presenta al final de la pieza.

La sexta pieza es precisamente la que le da el nombre a la obra, Requiem for the Indifferent. Muestra el porque es la pieza principal de la obra, al tener espacio para todo: coros, solos de voz, de guitarra y de teclado.

Parva notes circum te
Incorrupta nitidaque
Vide, gusta, senti, bibe
Formam ex eis captes

Como se muestra, ahora la crítica se torna individual, al alertar contra la dependencia de los placeres transitorios. En particular, la relación del consumismo con las crisis económicas globales… we’ll never find, our peace of mind: When silence betrays!

La séptima pieza, Anima, es un solo de piano de Janssen compuesto por Jansen, un muy bello preludio para la octava pieza, Guilty Demeanor.

La pieza inicia fuertemente y así se mantiene, resaltando el espíritu de crítica de toda la obra ante la indiferencia:

Veritas numquam vincitur ipsa
ne qua dicuntur imprudenter credas
sed tua teneas.

(La verdad nunca es vencida por el temor de quienes carecen de confianza… pero, se debe mantener)

Por fin se escucha una entrada completa de guitarra en la novena pieza, Deep Water Horizon, donde la presencia de la guitarra acústica permanece durante las primeras dos estrofas interpretada por Simons, aunque la guitarra sigue siendo protagonista a lo largo de la pieza.

Durante la décima pieza, Stay the Course, suena a una continuación de Guilty Demeanor, en todos los sentidos.

En la undécima pieza, Deter the Tyrant, se apoya directamente a la primavera árabe: Your chance is now!

Como ha sido costumbre en esta obra, Jansen muestra destellos de brillantez antes del cierre de la pieza en su guitarra.

Da inicio al cierre de la obra, el cual es simplemente espectacular. La duodécima pieza, Avalanche, es una magnífica composición del dueto Jansen/Simons, donde ambos se lucen con sus interpretaciones.

La décimo tercera pieza, Serenade for Self-Destruction, es la última aparición en la composición de Janssen y lo hace en grande para la voz de Simons.

La última pieza, Twin Flames, es una verdadera obra de arte de Jansen (¿querrá reconquistar el amor de Simons?); por cierto, junto con Guilty Demeanor y su preludio, Anima, son las únicas donde él es el único compositor.

Simons tiene una coloratura muy interesante, con un registro que abarca 4 octavas. En la pieza que cierra la obra, logra su nota más aguda hasta entonces gravada, Do sostenido, siendo un claro intento de Jansen para que Simons demuestre la belleza de su capacidad vocal.

Hasta este momento, la obra se ha mantenido dentro del top 20 en ventas de Holanda y Suiza… el resto de Europa la tiene también en los primeros lugares, aunque en posiciones ya fuera de los primeros 20.

La obra completa es impresionante, de lo mejor que se ha hecho durante el 2012.

Saludos.


Saturday, April 7, 2012

Johannespassion, música y religión… en clara comunión




Hoy -07ABR12- es Sábado de Gloria, pero en 1724 fue Jueves Santo y en la ciudad de Leipzig ocurrió uno de los más grandes milagros de la humanidad, cuando Johann Sebastian Bach presentó (en la víspera del Viernes Santo) una de las obras más excelsas en la música: La Pasión según San Juan.

Para 1723, Bach se incorporó a la Iglesia de Santo Tomás, en Leipzig, dando inicio al proyecto más importante de su carrera, crear una cantata para el motivo de cada domingo del año, ininterrumpidamente durante los siguientes 4 años (1727), aunque de manera intermitente hasta 1735; completando alrededor de 300 cantatas. Un evento que el sueco Nathan Söderblom (premio Nobel de la Paz en 1930) intitulará el quinto evangelio.

Del total de cantatas, sobreviven aparentemente 226, las cuales son las primeras mostradas en la clasificación más aceptada referente al trabajo de Bach-1950- (BWV, Bach Werke Verzeichnis, catálogo de trabajos de Bach): del BWV 1-224 (de la BWV 217 a la 224, se duda su autoría). Posteriormente se agregaron 2 más (BWV 244a & 249) de corte más secular.

Lo interesante es que las obras que siguen en el BWV, pertenecen a este mismo período de composición: 6 Motetes (BWV 225 al 231, de donde destaca enormemente el 227 por su fama: Jesús, la alegría del mundo), 5 Misas (BWV 232 al 236, a pesar de su profunda fe luterana), 5 Santos (BWV 237 al 241), 1 Cordero de Dios (BWV 242), su famosísimo Magníficat (BWV 243), 2 igualmente famosos Oratorios (BWV 248 & 249, para Navidad y Pascua, respectivamente) y 5 Pasiones.

De las 5 Pasiones, una se perdió completamente en el tiempo, otra es la Pasión según San Lucas -BWV 246-, escrita en 1730 para el Viernes Santo de ese año, aunque existe un consenso de que la obra es apócrifa, o bien, se perdió casi en su totalidad y lo que se interpreta contiene tan sólo extractos del original, o existe otra hipótesis donde Bach ni siquiera la escribió, tomándola de un autor anónimo y firmándola como propia.

Otra obra pérdida es la Pasión según San Marcos -BWV 247-, escrita también para el Viernes Santo, pero del año siguiente, 1731. Se cree que las últimas copias de la misma fueron destruidas durante el bombardeo a Leipzig, durante la Segunda Guerra Mundial (como muchas otras joyas, hoy pérdidas). El libreto está intacto y la obra se ha reconstruido -2009- con los fragmentos que se han encontrado y recitando lo que no se tiene.

Por lo tanto, las únicas dos que sobreviven son la Pasión según San Mateo -BWV 244-, escrita en 1727 y la Pasión según San Juan -BWV 245-, escrita en 1724, en medio de su maratónico trabajo de cantatas.

Ambas tienen razón para haber sobrevivido, son un verdadero espectáculo para el oyente. En la versión de San Mateo, requiere de dos coros y dos orquestas. Mientras que la de San Juan tiene muchos instrumentos protagonistas.

En la Pasión según San Juan, se siguen fundamentalmente los capítulos 18 & 19 del Evangelio de San Juan, pero se incluyen algunos versos religiosos incluidos de autores renacentistas alemanes: Johann Heermann (3), Martín Lutero (1), Paul Gerhardt (2), Paul Stockmann (3), Michael Weisse (2), Valerius Herberger (1) & Martin Schalling (1).

Además, el aria 13, Oh, mi espíritu, es tomada del poema El llanto de Pedro, del poeta alemán Christian Weise.

El aria 22, A través de su prisión, nos ha dado libertad, fue tomada de otra Pasión según San Juan, pero de Christian Postel -1700-, utilizando la melodía de Dios, de acuerdo a tu bondad, llévame contigo, del compositor del temprano barroco alemán Johann Schein.

La obra se divide en dos partes, con cinco actos:

Parte
Acto
Título
Escena
Arias
I
1
Traición y arresto
En el Monte de los Olivos
1 – 9
2
Negación
Con Caifás
10 – 14
II
3
Interrogatorio y flagelación
Con Poncio Pilatos
15 – 24
4
Crucifixión y muerte
Monte Calvario
25 – 37
5
Entierro
Tumba
38 - 40

Lo más interesante de la obra es precisamente la cantidad de solistas que posee.

A continuación se presenta el cuadro de los protagonistas:

Personaje
Instrumento
Aria
Pueblo
Coro
1 – 3, 5, 11, 12, 14 – 18, 21 – 28, 32, 37, 39 & 40
Evangelista
Tenor
1, 2, 4, 6, 8, 10, 12, 16, 18, 21, 23, 25, 27, 29, 31, 33, 36 & 38
Jesús
Bajo
2, 4, 6, 10, 16, 18, 21 & 29
Magdalena
Soprano
10
Pedro
Bajo
10 & 12
Mozo
Tenor
10 & 12
Poncio Pilatos
Bajo
16, 18, 21, 23 & 25

Flauta Traversa
35

Laúd
19

Viola de Amor
19 & 20

Viola da Gamba
30

Oboe de Amor
23 & 27

Oboe de Caza
34 & 35

A diferencia de la Pasión según San Mateo, que requiere a muchos ejecutantes, la Pasión según San Juan es más íntima, utilizando una pequeña orquesta formada por 2 flautas traversas, 2 oboes, cuerdas y bajo continuo. Los instrumentos solistas ya estaban en desuso en la época de Bach, lo cual le añade un toque de intensa nostalgia a la composición.

Por otro lado, el coro es el típico ensamble de cuatro secciones, donde sus miembros son típicamente invitados para cantar las piezas correspondientes a Magdalena, Pedro, el Mozo y las arias sin personaje definido, reduciendo entonces los solistas a tan sólo tres: Jesús, Poncio Pilatos y el evangelista; en algunas ocasiones, incluso el papel de Poncio Pilatos es interpretado por un miembro del coro.

Es interesante observar como la tesitura de tenor es aplicada para el evangelista, mientras que los papeles de Pedro, Pilatos e incluso Jesús son para un bajo. Es muy posible que Bach quisiera mostrar a un autor inmerso ya en un cristianismo profundo y bien asentado (ya que este evangelio fue escrito hasta el año 99 y en el libreto lo define con ese título, en lugar de la errónea tradición de atribuírselo a San Juan), mientras que los otros personajes son propiamente los actores de la pasión.

En la discografía que se tiene de dicha obra, se cuentan dos versiones diferentes:
1)    *   Instrumentos actuales. Destacándose Lehmann, JochumRichter.
2)      * Instrumentos de la época. Con direcciones magistrales de Harnoncourt, GardinerKoopman.

El registro de referencia sigue siendo la versión de Harnoncourt con los Niños Cantores de Viena y músicos de la Orquesta Sinfónica de Viena, en 1965.

Se trata de una de las obras maestras de la música, sin lugar a dudas.

Saludos.